在这颗星球上，每时每刻都产生着新的艺术与想法，它们或许浩瀚，或许细微，自成一派宇宙。本周，我们选择了十二则有关艺术的资讯，邀请你一起走入第十一届西岸艺术与设计博览会、去往苏河艺术季ART IN SUHEHAUS，还有ART021上海廿一当代艺术博览会，以及诸多美术馆与画廊开幕......
自由翻滚，奔向奇妙的艺术世界吧！
第十一届西岸艺博会
近百家画廊精彩返场
2024年西岸艺术与设计博览会系列海报之一。主视觉由瑞士Studio Feixen设计。
第十一届西岸艺术与设计博览会将于11月8日至10日在西岸艺术中心A馆与B馆、西岸穹顶艺术中心、GATE M西岸梦中心、西岸漩心举办。来自23个国家及地区、50个城市的122家代表性画廊，协同50余家展商、机构、合作伙伴将为全球艺术市场呈现高水准的艺术图景。
亮点参展作品，来自豪瑟沃斯。菲利普·加斯顿，《无题（红黑色的书）》，1969年，丙烯、木板，65.4×71.8×5.7cm （装裱尺寸）。©菲利普·加斯顿艺术资产
亮点参展作品，来自白立方。乔治·巴塞利兹，《詹姆斯·惠斯勒的母亲（五月花柱）- 过去和现在的爱情》，2023年，布面油画，255×620cm。©乔治·巴塞利兹，图片由艺术家和白立方画廊提供
亮点参展作品，来自蓝骑士艺术。曹吉冈，2011年，《云台山》，2011，亚麻布坦培拉，200×240cm。©蓝骑士艺术
亮点参展作品，来自大田秀则画廊。陈维，《没有烦恼/还有柠檬》，2024年。©陈维，图片由大田秀则画廊提供。
亮点参展作品，来自里森画廊。喻红，《不能自己的律动5》，2010年，布面丙烯、金箔，200×180×6cm。©喻红，图片鸣谢里森画廊
在galleries画廊单元，近百家海内外重要画廊持续返场，稳定连结亚洲艺术市场：豪瑟沃斯、大田秀则画廊、佩斯画廊、香格纳画廊、空白空间和白立方自展会创办起已连续十一年参展。32家画廊首次参展，包括上海的南柯画廊、北京的拟像、香港的THE SHOPHOUSE等，为上海艺术生态带来多元视角。
design /delight设计单元同样精彩纷呈。Frank Chou Design Studio、GALERIE WAVE、Gaetano Pesce Estate、Marie Piselli等参展品牌和设计工作室带来家具、灯具及首饰作品，展示设计在功能性与艺术性之间大胆试验。
艺术、设计、论坛，在西岸艺术与设计博览会全方位吸收艺术养分！
艺术的信号，你接收到了吗？
苏河艺术季
ART IN SUHEHAUS
苏河艺术季ART IN SUHEHAUS展览海报。
上海艺术季期间，苏河皓司SUHE HAUS将推出第二届“苏河艺术季ART IN SUHEHAUS”。作为一个深入本土化的艺术实践与共创平台，苏河艺术季旨在提供一个更具探索性且不受商业化束缚的交流场域。区别于艺博会的常规范式，为期一个月的苏河艺术季秉持对策展性和公共性作为其核心使命，为策展和实验项目提供一个多元的展示和讨论的平台。
亮点参展作品：陈哲，2020-2023年，《偏善幻中来》，UV喷墨打印、有机玻璃、木框灯箱。《三体当代艺术展·序章：文明的初见》参展作品，图片致谢艺术家和三体宇宙。
亮点参展作品：王令尘，2024年，《蓝途 Journey》，苏河皓司与ART021 BEYOND单元联合呈现
亮点参展作品：亨尼·阿尔夫坦，《蜘蛛》（局部），2023年。图片致谢艺术家和KARMA，由Longlati经纬艺术中心惠允
本届苏河艺术季围绕“信号在闪烁”的主题展开，由Art in HAUS、Tomorrow in HAUS、Skyline in HAUS、Three-Body Universe in HAUS、Art in SUHE五个版块组成。展览主题旨在打破时间与空间的界限，引导观众思考艺术给予的信号。在科技与人文交织的背景之下，激发对未知的探索，构建未来世界的多重面貌。
苏河艺术季联袂苏河皓司内部及苏州河沿岸正在发生的展览与实验项目，共同编织一张艺术思源的网络。
ART021
如约亮相上海展览中心
2024年第十二届ART021上海廿一当代艺术博览会海报。
第十二届ART021上海廿一当代艺术博览会（下文简称“ART021”）将于11月7日至10日于上海展览中心举办。来自20个国家及地区的131家参展画廊与项目将精彩亮相。今年是 ART021 在上海展览中心举办的第十年。过去十年间，ART021以专业水准呈现艺术盛事，为参展商与合作伙伴提供独一无二的环境，为文化交流与艺术交易构建绝佳平台。
亮点参展作品：赛巴斯汀·伯格，《兰柏特》，2024年，铝板油画，50×40cm。©艺术家与THE SHOPHOUSE
亮点参展作品：尾泻糧天，《Between everywhere》，2024年，90×90×10cm。©艺术家与MJK Gallery
亮点参展作品：伊西·伍德，《节日甜点研究》，2023年，丝绒布面油画，152×122cm。©艺术家与卡洛斯/石川画廊
亮点参展作品：阿丽西亚·柯瓦德，《Principium》，2023年，150×16×16cm。©艺术家与梅隆赫
主画廊单元将呈现海内外一流画廊的现当代艺术精选，其中囊括博物馆级别重磅之作、成熟艺术家的代表性佳作及前沿的当代实践等。白立方、卓纳画廊、阿尔敏·莱希、大田秀则画廊、天线空间、香格纳、北京公社等众多蓝筹画廊回归，实力斐然的亚洲及中国本土画廊持续占比 50%以上。此外，ART021亦为冉冉升起的本土画廊提供展示平台，并不断深化跨越地域的艺术交流与对话。
第12届ART021，你期待遇见哪些艺术？
“月球的距离”
PRADA荣宅呈现李爽个展
李爽（1990年生于中国）。摄影：Mathilde Agius
在Prada基金会的支持下，Prada荣宅将于2024年11月6日至2025年1月12日呈现李爽个展“月球的距离”（Distance of the Moon）。“月球的距离”是李爽首次在亚洲举办的个展，展出了为Prada荣宅特别创作的一系列全新作品。
李爽，《似曾相识》（截帧），2022年，视频-彩色，15分55秒。©艺术家与Peres Projects
李爽，《我写过的所有信件（日内瓦）》（局部），2024年。©李爽、Peres Projects与天线空间
展览“月球的距离”源自艺术家在中国独生子女政策历史时期的成长经历，深入探讨当今高度媒介化现实中的交流困境，以及复杂的母子关系。展览以艺术家在家庭情感交流中面临的挑战入手，藉由多维叙事展现母子关系的复杂性。展览的核心是一封写给李爽母亲的、已经丢失的信件，信件转化为特定场域的灯光与声音展示装置，升华为一种超然的体验。
“我成长于典型的东亚家庭，代际间的紧张关系在独生子女政策背景下愈发明显。在我的全新装置作品中，我用灯光照亮技术‘进步’所带来的阴影。”90后艺术家李爽介绍道。
正视那些“错位的物质”
油罐艺术中心新展
“未得回应的遗迹”展览海报。
油罐艺术中心将呈现帕特里夏·艾尔斯（Patricia Ayres）个展“未得回应的遗迹”（Unrequited Remnants）。帕特里夏·艾尔斯来自纽约，她的作品取材于社会约束结构，她的雕塑在一定程度上得益于其时装教育背景。
帕特里夏·艾尔斯，《19-1-2-9-14-1》，2023年，橡胶、油漆、油墨、染料、膏油、圣餐酒、美国军用降落伞硬器皿、填充物、木材。215.9×109.2×109.2cm。
帕特里夏·艾尔斯，《23-21-12-6-19-20-1-14》，2024年，橡胶、油漆、油墨、染料、鞋靴抛光剂、膏油、圣餐酒、粘稠物、碘、美国军用橡胶、填充物、木材、水泥、惩教所油漆。114.3× 30.5×25.4cm。
帕特里夏·艾尔斯，《4-5-3-1-16-9-12-12-1-19》，2024年，橡胶、油漆、油墨、染料、鞋靴抛光剂、美国军用降落伞硬器皿、美国军用橡胶、膏油、圣餐酒、碘、蜡、拴⻢樁、填充物、木材。94×91.4×165.1cm。
展览深入探讨了定义当下社会的惯例和限制。展览中的雕塑装置体现了“错位的物质”，这一概念源自玛丽·道格拉斯在其经典著作《纯净与危险：对污染与禁忌概念的分析》中的论述。展览中的作品交织着污垢与残留物，以不寻常的姿态而变化着，有些悬挂在空中，另一些则像是从地面中突起。这些不固定的意象反映了类别化的不稳定性，类似于朱迪斯·巴特勒在《物质性的身体》中的分析：某些身体和身份的排斥对于规范性主体性的形成至关重要。
社会惯例中的不洁、不自然、不受欢迎之物，艺术家对它们有另一种解读。
“缝补”也“刺天”
上海当代艺术博物馆
尹秀珍个展
“尹秀珍：刺天”展览海报。
上海当代艺术博物馆（PSA）将于11月9日揭幕中国重要女性艺术家尹秀珍的个展“刺天”，由艺术史学者巫鸿担任本次展览的策展人。借助逾二十件材料和语汇各异的巨作，展览不仅呈现艺术家尹秀珍的标志性作品与最新思考，也带领观者展开一场向外纵横天地，向内细腻入微的探索之旅。
尹秀珍，《飞行器》（局部），2008年，穿过的衣服、不锈钢、木板、汽车、拖拉机，353×1592×1220cm，第七届上海双年展“快城快客”展览现场，2008年，上海美术馆。艺术家供图。
尹秀珍，《行思》，2018/2024年，鞋子、织物，尺寸可变，“中国制造007：行思”展览现场，2018年，银川当代美术馆。艺术家及佩斯画廊供图。
“尹秀珍：涟漪应力”展览现场，2023年，上海玻璃博物馆。上海玻璃博物馆供图。
尹秀珍的艺术创作立足于人，对日常材质的敏感使她的作品总是含有生命的温度。与此同时，始于童年的对天界的好奇也把她的眼光引向太空，由此不断地扩宽想象和创作的时空维度。本次展览将覆盖PSA的整个一楼空间，由位于大厅的展览同名作品《刺天》开启一场纵横天地的探索。通过约二十件材料和语汇各异的巨作，展览不仅将呈现艺术家尹秀珍的标志性作品与最新思考，也将带领观者展开一场围绕天与地、人和宇宙、内与外的讨论与想象。
向外纵横天地，向内细腻探索。
龙美术馆王郁洋个展
龙美术馆（西岸馆）“王郁洋：绘画”展览海报。
龙美术馆（西岸馆）将推出艺术家王郁洋的最新个展“王郁洋：绘画”，梳理艺术家最近10年的绘画实践。自2010年以来，王郁洋试图从新媒介的角度返回他曾经热爱的绘画，但以往的展出只是作为其庞大实践的分支。王郁洋的绘画实践，如同他所从事的其它类型实践一样，多变且语言和观念极为复杂，在解构和颠覆传统绘画的同时，创造出人、非人和自然混合的当代性图像。
王郁洋，《微观世界20240611》，布面油画，180×120cm。
王郁洋，《生物克莱因蓝202301011》，微生物、大理石，99×85cm。
展览作品的主题涉及光的解构与再现、时间的延展与重叠、机器的创造与毁坏、人造自然的阈限与迁移等等。可以说，展览呈现了“人—技术—自然”的媒介环境下，艺术家对于传统艺术媒介的焦虑与质疑，但同时也包含了他对于绘画源于生命内部的热爱。
“王郁洋将艺术家作为原创者而媒介作为从属工具的这种约定俗成的操作方式颠倒过来，为我们带来了雕塑、绘画和行为的令人惊讶的崭新而丰富的形式表达。”策展人张尕写道。
当代超现实主义摄影
Fotografiska影像艺术中⼼
伊莉莎维塔·波罗迪娜新展
龙美术馆（西岸馆）“王郁洋：绘画”展览海报。
Fotografiska影像艺术中⼼即将呈现俄罗斯裔德国视觉艺术家伊莉莎维塔·波罗迪娜（Elizaveta Porodina）的展览《本然真我，假⾯⼈⽣》，带领观众进⼊⼀个充满超现实主义、象征主义和实验时尚元素的“镜像世界”。体验⼀场关于⾃我、身份和情感的深度探索。
伊莉莎维塔·波罗迪娜，《窗户，巴黎》，2021年。©Elizaveta Porodina
伊莉莎维塔·波罗迪娜，《弗朗⾟扮演艾琳娜F，慕尼⿊》，2020年。©Elizaveta Porodina
伊莉莎维塔·波罗迪娜，《催眠，巴黎》，2021年。©Elizaveta Porodina
伊莉莎维塔·波罗迪娜，《周冬⾬，上海》，2020年。©Elizaveta Porodina
波罗迪娜拥有临床⼼理学的专业背景，但她选择了摄影作为⾃⼰的职业，并迅速获得了时尚界和艺术界的认可。她的创作⻛格深受前苏联结构主义画家与雕塑家，及多位⻄⽅艺术⼤师的影响，形成了独特⽽神秘的摄影⻛格。
“我对于⼈们表象背后的样貌感到好奇，我们带着什么样的⾯具⾯对世界，⾯具背后的我们⼜是如何？”艺术家伊莉莎维塔·波罗迪娜说。
香格纳画廊特展
“所有的印象都会消失”展览海报。
“所有的印象都会消失”将于2024年11月9日在香格纳西岸中环空间开幕。展览由2024年釜山双年展联合策展人菲利普·皮洛特（Philippe Pirotte）与香格纳画廊共同策划。展览汇集11位来自多元背景的艺术家，呈现他们的创作在不同环境语境下所生长出的迥异面貌，探索艺术家将记忆与梦境、现实与奇幻的观念揉杂在加速分崩离析的世界中，并对抗被从上而下赋予意义的过程。
吕克·图伊曼斯，《秒 之四》（截帧），2020年，单屏动画，彩色，无声 | 循环 4秒。©吕克·图伊曼斯
展览标题“所有的印象都会消失”引自法国诺贝尔文学奖获得者安妮·埃尔诺（Annie Ernaux）的《悠悠岁月》。这句话可以作为对艺术的意图的某种印证——即艺术始终在对抗遗忘，即使人始终无法避免遗忘。然而我们可以将艺术的创造类比为佛学中的“涅槃”状态，其梵文本意为正在熄灭的火焰，甚至是吹熄。
麦拉蒂·苏若道默，《未知的天堂》（截帧），2023年，单路视频，23分36秒。©麦拉蒂·苏若道默
阿彼察邦·韦拉斯哈古，《永久的黎明》，2021年，艺术微喷36x36cm。©阿彼察邦·韦拉斯哈古
因此，艺术作为一种留存生命体验的行动，它在抵抗个体意志消失的同时，也将自我消解为一个空洞的能指—即个体所拥有的身外之物最终都将消散，消散进一个包含地球万物的“我们”之中。
茫茫宇宙，生命须臾一瞬。艺术可以成为留存生命体验的行动。
西岸美术馆与蓬皮杜中心
五年展陈合作项目
另辟前卫：摄影1970-2000
“另辟前卫：摄影1970-2000”展览海报。
西岸美术馆与蓬皮杜中心五年展陈合作项目将于2024年11月8日推出重量级年度特展“另辟前卫：摄影1970-2000”，首次在中国大规模呈现蓬皮杜中心摄影类馆藏。展览将回顾摄影艺术决定性的三十年，聚焦其跃升为当代艺术主流媒介的时刻，通过十个章节，集中呈现逾30位先锋派艺术家的近200件开创性作品，串联起摄影如何从记录艺术过程到成为一门独立艺术的前卫历史。
安德烈·古斯基，《99美分》，1999年，彩色合剂冲印，迪亚塞克工艺装裱。©Andreas Gursky，由Sprüth Magers / ADAGP提供。图片来源：蓬皮杜中心，MNAMCCI / Philippe Migeat / Dist. GrandPalaisRmn
克里斯蒂安·波尔坦斯基，《典型图像》，1975年，选自《典型图像》系列，彩色合剂冲印，1977年购藏，蓬皮杜中心，巴黎，法国国家现代艺术博物馆-工业设计中心
二十世纪上半叶，先锋摄影师开始探索摄影中的审美抽象。何以直到20世纪70年代，摄影才得以跻身艺术领域并进入美术馆，与绘画产生了同等的重要性？在不同的技术、社会和文化背景下，相机又能为我们提供些什么？特展“另辟前卫：摄影1970-2000”将通过10个章节主题，潜入这些尚未在专业和公众领域被讨论的话题，追溯了摄影从单纯快照式记录走向具有多种表现力的图像表达，引领观众走过摄影艺术的黄金三十年。
群星闪耀，一部立体的摄影教科书。
Eero Aarnio
亚洲首次大型个展
“圆周之旅”
于西岸艺术与设计博览会亮相
Eero Aarnio 与《大球椅》。Antti Laine摄影，图片由Eero Aarnio Originals 提供，2018。
Eero Aarnio Originals、贝氏艺讯（The Baer Faxt）与西岸艺术与设计博览会荣幸呈现芬兰传奇艺术设计先锋大师 EeroAarnio 在亚洲的首次大型个展“圆周之旅”。作为 2024 西岸艺术与设计博览会（2024 年11月8日至 10 日，上海）的特别项目，本次展览致敬 Aarnio 非凡的职业生涯，回顾他各个时期的标志性作品，从其开创性的经典作品“球椅"，到最新的设计作品“Kisu”。
Eero Aarnio，球椅(白/黑) 1963/2024，玻璃钢外壳，铝制基座，聚氨酯泡沫垫，织物面料，110x97 x120 cm，图片由 Eero Aarnio Originals 提供
Eero Aarnio，泡泡椅(银)，1968/2024,亚克力，实心不锈钢，天然皮革，103x90x105 cm
Eero Aarnio,小Kisu金)，2020/2024,陶瓷，15,6x7,6x21 cm，图片由 Eero Aarnio Originals 提供
Eero Aarnio,《球椅之相》，2024，纸上石版画，95x70 cm，图片由 Eero Aarnio Originals 提供
Eero Aarnio 表示非常高兴首次在中国举办自己的个展，并热情地邀请观众在展览现场能近距离接触和体验他设计的作品。“如果我的设计能够引发人们的好奇心、唤起大家丰富的情感体验，我就认为我的创作是成功的。”作为其商业战略顾问，贝氏艺讯与 Eero Aarnio 团队合作带来的此次展览将以全新的视角让观众更深入地理解 Aarnio 的永恒经典之作。除了展示他标志性的设计作品，Aarnio的设计还将首次以版画和大型户外雕塑的形式亮相。
领略 Aarnio 作品的全新维度，感受他在职业生涯中不断臻于完美的奇思妙想与共情之美。
情绪的缝隙
《500英里》音乐舞蹈剧场
《500英里》音乐舞蹈剧场。
近日，在东方艺术香氛品牌观夏的独家支持下，情绪的缝隙《500英里》音乐舞蹈剧场于北京三里屯太古里S8广场上演。艺术家王光乐2023年受798画廊周委托创作的艺术装置《白盒子》，被转化为城市舞台。在这个有裂缝的立方体中，青年舞蹈家陈梓豪等舞者用身体和身体动作表达对当代生活的困惑，探讨心灵的弥合。小娟与山谷小强现场演唱《500英里》，民评穿越迷宫般的舞台，打开被储存的时间。整部作品融合了艺术、舞蹈、音乐等多种媒介，首次走入城市中心的户外露天广场，以多元体验创造开放包容的个体与公共空间。
现场。
《500英里》是由陈梓豪任总导演、编舞兼主演的“音乐舞蹈剧场”，于2024年6月7日作为“鼓楼西剧场”开幕10周年的系列演出之一首演。时隔4个月，这部舞剧在三里屯太古里S8广场重新演绎。只有当艺术与它的发生者和接收者——“人”产生联系，艺术的生命力才得以显现；而这次“艺术事件”便是关照当代生活、用另一种方式回馈城市的努力。这部上演的音乐舞蹈剧场本身探讨了多重“缝隙”：人生不同阶段之间的缝隙、理想的自我与现实的自我之间的缝隙、人际关系中的缝隙、理性与感性间的缝隙。作为近年来首部在北京三环内的闹市区中上演的开放式露天剧场，同样展示出城市商业空间的“缝隙”、艺术与观众间的“缝隙”，偶然路过的观众，都是这部艺术作品的一部分，以夜空为顶，以人群为舞台，让在场者抛开既有定义和边界的束缚，参与到观看之中。
在商业活动之外，城市空间也需要公共生活；在白盒子之外，艺术也需要与更广泛的社会现实产生关联。