水的灵感
生于1984,临近40岁即在巴黎装饰艺术美术馆拥有回顾展,我们不得不承认艾丽斯·范·荷本超凡的创意才华。此次展览的展陈设计一如Iris Van Herpen的秀场,服饰艺术的表达是跨学科的实践;是当代艺术、音乐、设计与科学相融合的整体,而非像传统时装设计师那般,固守时装的绝对主体性,将非服饰的模块视为装饰之用的“配菜”。“水与生命的起源”作为展览的开篇章节,Iris Van Herpen的2023春夏系列“空白协议”(Carte Blanche)作品与艺术家大卫·斯普里格斯(David Spriggs)的装置作品“起源”(Origins)在空间中形成对话。同时,日本艺术团队目(Mé)作品“接触”(Contact)将海浪化作可触碰之物,作为当代视角下的自然体悟,与出自十九世纪生物学家恩斯特·海克尔(Ernst Haeckel)的博物插画和 Léopold&Rudolf Blaschka的玻璃雕塑所呼应。空间着意模糊着时间与认知的线性视角,试着塑造某种指向精神性的共时性体验。这样的叙事法则,或许揭露着艾丽斯·范·荷本后现代式的认知论:科学与艺术、感性与理性、柔软与坚硬,他们并非二维轴线图上分置两极的坐标,而像海洋中的浪与沙一般,柔性地相互作用,永不止息地运动、塑造着海浪与潮汐 — 这来自自然的、瞬时而永恒的柔性雕塑 — 恰如她的时装。
可持续的巧匠
艾丽斯·范·荷本的设计是未来的,更是人文的。设计师的人文性不仅体现在创作中对社会议题的关注,更是将可持续意识作为设计的根基,于十六年的服饰艺术创作中一脉相承。2007年,荷本的工作室旁生活着一群乌鸦,这些象征着黑魔法、智慧且对闪亮之物独有偏爱的鸟类给予了设计师首个时装系列“化学乌鸦”(Chemical Crows)中,如炼金术士点石成金的魔法,设计师将回收而来的700把童伞的金色骨架化作系列中的极具视觉魅力的设计元素,使她成为少数在高级订制领域使用回收材料的创作者。
舞动的边界
对于艾丽斯·范·荷本而言,为其创意生涯带来最多掌声与关注,以及奠定其设计范式的经典之作,是在其首个巴黎高级定制时装秀上所展示的“骨骼裙”(Skeleton Dress)。这件经由选择性激光烧结技术和3D打印而成的无肩带连衣裙,如甲壳般包裹着穿着者,并不会因穿着者的移动而弯曲。被当年的《时代周刊》评为年度最伟大的五十大发明之一。设计师本人对此件作品的评注,是在自由与不完美间,所找寻到的美感。美国实验艺术家、批评家乔纳森·济慈(Jonathon Keats)则认为荷本的设计不仅是生命脆弱性的折射,也将这种脆弱置于炫耀的祭坛之上:穿着骨骼裙的女人展示着死亡的终将而至,却在这一展示中获得了更饱满的生命。2015年,美国大都会博物馆将这件作品纳入馆藏 — “它对抗了我们对可穿性的常规思维定式,同时新颖的3D打印尼龙材质也挑战了对藏品保存方式的传统。”早期的3D打印技术的高温制作过程会严重地影响作品的生命周期,而为了降低高昂的制作成本,尼龙粉末的重复使用更加速了材质衰解的过程。但或许恰如艾丽斯·范·荷本所言:“这即是时尚的稍纵即逝。”
在进入阿尔特兹艺术大学进修时尚设计之前,年轻的艾丽斯·范·荷本生活在荷兰小城沃梅尔,并持续接受着芭蕾舞的训练。这段经历,多少影响了其至今的创作思路。骨骼裙是一个舞者的起点,精巧的骨骼的运动是舞动的根基,而一位芭蕾舞者在起舞之时,他不仅在呈现身体的流动之美,也在无限地探索身体表达的边界。艾丽斯·范·荷本在构思其时装创作之时,会巧妙地借助艺术装置与她所创造的那些犹如从身体生长而出的服饰进行有机的互动。2019的秋冬系列“催眠”(hypnosis),荷本与美国艺术家安东尼·豪(Anthony Howe)合作。安东尼为其打造了名为“全能宇宙”(Omniverse)的动力雕塑,作为生命无限循环的一种隐喻。作为谢幕造型的“无限裙”(Infinity dress),是荷本自认迄今为止制作难度最高的作品。在铝与不锈钢的骨架上,纤细轻盈的天然羽毛经由机械驱动循环舞动,与安东尼的装置作品相呼应。“艺术家的雕塑散发出催眠式的能量,引导大家看到我们所想呈现的另一种时尚。这是对生命节律的持续探讨,以及与万物交织世界的脆弱性的回响。”无限裙在艾丽斯·范·荷本的创作脉络中有着别样的意义。设计师一直在捕捉身体运动时的姿态,身体是律动的主体、服饰是身体的呼应。而无限裙 Dress借由自主运动,突破了时装客体性的宿命。而上一次创造这一“自主时装”的是侯赛因·卡拉扬(HusseinChalayan),2000年春夏秀场上,一件玻璃纤维的A型裙经遥控绽放出粉色的薄纱裙摆 — 而那一刻的高光,也似是先锋时装的夕阳。
